http://cine100.bitacoras.com Cine y sólo cine. Reseñas de películas (actuales y clásicas), noticias, entrevistas, opiniones... Cine al 100%.

Blog de
Francis
Wonka
Hermano de Francis
Ivy
Multisanti es 2007-02-03T14:43:46Z hourly 1 2000-01-01T12:00+00:00 http://cine100.bitacoras.com/archivos/2007/01/26/ii-premios-cine-100 2007-01-26T13:44:36Z Francis Noticias y entrevistas

Quedan proclamados los vencedores y finalistas de los II Premios Cine 100%. El público eligió Crash como la mejor película del 2006, mientras que Cine 100% ha elegido El Nuevo Mundo.

MEJOR PELÍCULA
CINE DE ORO





EL NUEVO MUNDO















CINE DE PLATA



Llamando a las puertas del Cielo












CINE DE BRONCE

Los tres entierros de Melquíades Estrada










Finalistas
Babel
Crash
En la cuerda floja
Pequeña Miss Sunshine


PREMIO ESPECIAL DEL PÚBLICO
Crash

Finalistas
Infiltrados
El ilusionista
Truman Capote
United 93





MEJOR DIRECTOR
Alejandro González Iñárritu (Babel)

Finalistas
Paul Haggis (Crash)
Terrence Malick (El Nuevo Mundo)
Tommy Lee Jones (Los tres entierros de Melquiades Estrada)
Wim Wenders (Llamando a las puertas del Cielo)





MEJOR GUIÓN ORIGINAL
El Nuevo Mundo (Terrence Malick)

Finalistas
Babel (Guillermo Arriaga)
Crash (Paul Haggis y Bobby Moresco)
Los tres entierros de Melquiades Estrada (Guillermo Arriaga)
Pequeña Miss Sunshine (Michael Arndt)





MEJOR GUIÓN ADAPTADO
En la cuerda floja (Gill Dennis y James Mangold)

Finalistas
El Castillo Ambulante (Hayao Miyazaki)
Truman Capote (Dan Futterman)







MEJOR ACTOR
Philip Seymour Hoffman (Truman Capote)

Finalistas
David Strathairn (Buenas noches y buena suerte)
Greg Kinnear (Pequeña Miss Sunshine)
Joaquin Phoenix (En la cuerda floja)
Nicolas Cage (El hombre del tiempo)





MEJOR ACTRIZ
Reese Witherspoon (En la cuerda floja)

Finalistas
Bryce Dallas Howard (La Joven del Agua)
Penélope Cruz (Volver)
Q’Orianka Kilcher (El Nuevo Mundo)
Toni Colette (Pequeña Miss Sunshine)





MEJOR ACTOR DE REPARTO
Alan Arkin (Pequeña Miss Sunshine)

Finalistas
Barry Pepper (Los tres entierros de Melquiades Estrada)
Brad Pitt (Babel)
Matt Dillon (Crash)
Tim Roth (Llamando a las puertas del Cielo)





MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Sarah Polley (Llamando a las puertas del Cielo)

Finalistas
Abigail Breslin (Pequeña Miss Sunshine)
Cate Blanchett (Babel)
January Jones (Los tres entierros de Melquiades Estrada)
Melissa Leo (Los tres entierros de Melquíades Estrada)





MEJOR REPARTO
Pequeña Miss Sunshine

Finalistas
Babel
Crash
Llamando a las puertas del Cielo
Los tres entierros de Melquíades Estrada





MEJOR FOTOGRAFÍA
El Nuevo Mundo (Emmanuel Lubezki)

Finalistas
El Gran Silencio (Philip Gröning)
Llamando a las puertas del Cielo (Franz Lustig)
Munich (Janusz Kaminski)
Truman Capote (Adam Kimmel)





MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL
Orgullo y Prejuicio (Dario Marianelli)

Finalistas
El Castillo Ambulante (Joe Hisaishi)
La niñera mágica (Patrick Doyle)
Pequeña Miss Sunshine (Mychael Danna/DeVotchka)
The Hidden Blade (Isao Tomita)





MEJOR MÚSICA NO ORIGINAL
El Nuevo Mundo (Wagner, Mozart y otros)

Finalistas
En la cuerda floja (Johnny Cash y otros)
Scoop (Grieg, Tchaikovski y otros)







MEJOR TEMA MUSICAL ORIGINAL
“End Credits”, Munich (John Williams)

Finalistas
“Bibo no Aozora”, Babel (Ryuichi Sakamoto, Jaques Morelenbaum y Yuichiro Gotoh)
“Sasurai no sophie”, El Castillo Ambulante (Joe Hisaishi)
“The winner is”, Pequeña Miss Sunshine (Mychael Danna)
“Your hands are cold”, Orgullo y Prejuicio (Dario Marianelli)




MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
“How it ends”, Pequeña Miss Sunshine (Mychael Danna y DeVotchka)

Finalistas
“Don’t Come Knocking”, Llamando a las puertas del Cielo (Bono, The Edge y Andrea Corr)
“In the deep”, Crash (Kathleen ‘Bird’ York)
“Sekai no Yokusoku”, El Castillo Ambulante (Joe Hisaishi y Youmi Kimura)



MEJOR MONTAJE
Babel

Finalistas
Crash
El Nuevo Mundo
Los tres entierros de Melquiades Estrada
Pequeña Miss Sunshine





MEJOR CARTEL
Munich

Finalistas
Brokeback Mountain
Llamando a las puertas del Cielo
Pequeña Miss Sunshine
V de Vendetta



]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2007/01/20/babel 2007-01-20T21:28:58Z Francis Actuales

Bienvenidos a la era de la globalización, donde las fronteras se han borrado y la comunicación supera toda barrera. ¿O no era así? Alejandro González Iñárritu (y su guionista, Guillermo Arriaga) nos dan una visión más real de ese supuesto mundo de la comunicación sin límites.

Director: Alejandro González Iñárritu.
Guión: Guillermo Arriaga.
Intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Adriana Barraza, Gael García Bernal, Boubker Ait El Caid, Said Tarchani, Rinko Kikuchi, Koji Yakusho.
Música: Gustavo Santaolalla, Ryuchi Sakamoto y otros.
Género: Drama. EEUU/México. 2006.

Ganadora de 2 Premios Cine 100%: Director, Montaje.
Finalista a 6 Premios Cine 100%: Película, Guión original, Actor de reparto (Brad Pitt), Actriz de reparto (Cate Blanchett), Reparto, Tema musical original.

Proemio
Me han desafiado. Cuando vi Babel, me pareció que daba mucho de sí; sin embargo, poco después alguien me dijo, en tono indignado, que Babel era una película “que no tiene nada”. Desafiarme a este tipo de cosas puede ser peligroso, y no porque vaya a salir triunfante, sino porque cuando me pongo a hablar con un objetivo claro es difícil detener mi verborrea. Así pues, vamos allá.

AVISO IMPORTANTE: se recomienda encarecidamente haber visto la película para seguir leyendo la crítica.

Torre de Babel
Bienvenidos a la era de la globalización, donde las fronteras se han borrado y la comunicación supera toda barrera. ¿O no era así? Alejandro González Iñárritu (y su guionista, Guillermo Arriaga) nos dan una visión más real de ese supuesto mundo de la comunicación sin límites.

Sí, puede ser cierto que la comunicación nos hace posible hablar con alguien que está en Nueva York como si estuviese en el piso de al lado. Sí, puede ser cierto que con un pasaporte americano se derriban muchos muros. Pero lo que no es cierto es que hayan desaparecido todas las verjas que nos separan del mundo. Es más, Iñárritu nos dice muy sutil y hábilmente que todavía nos encontramos como en aquella torre de Babel, hablando en idiomas muy diferentes. Cuando creemos haber borrado los límites que nos separan, resulta que estamos creando otros aún más opacos. La era de la comunicación se ha convertido en la de la incomunicación. No sabemos comunicar aquello que de verdad importa que sepamos comunicar, nuestros sentimientos, no sabemos abrirnos a los demás, presas de una sobredosis de técnica y prepotencia.

Y en medio de todo este maremágnum caótico, Iñárritu nos habla de una fuerza mayor, única capaz de rescatar a este mundo extraviado: el amor. Todo lo dice de una manera sutil, velada y casi imperceptible, pero lo dice. Los abrazos que ponen fin a cada una de las historias —el de la japonesa con su padre en el balcón, el de la mexicana con su hijo al ser repatriada, el de Brad Pitt y Cate Blanchett antes de que llegue el helicóptero americano e incluso me atrevería a decir que el del padre marroquí a su hijo muerto— son un símbolo inequívoco de ello. A pesar de que el mundo, la vida, están llenos de dolor, el amor es capaz de curar esas heridas, y no sólo de paliarlas.

Además de esto, podría hablar del excelente trabajo del reparto, empezando por un Brad Pitt que vuelve a hacer la labor de sus mejores trabajos, una Cate Blanchett que, una vez más, se gana la cámara con su sola presencia, y terminando por todos y cada uno de los actores prácticamente desconocidos de Marruecos —el niño que dispara hace un papelón— o de Japón (éstos más conocidos). También podría hablar del magnífico montaje en el que no se nos cuenta todo de manera lineal, sino que vemos que la llamada entre Brad Pitt y Amelia del principio es la que vuelve a salir al final. O de la milimetrada dirección de Iñárritu con un equipo gigantesco en varios países diferentes (y varios idiomas diferentes, pues en la película se llegan a hablar hasta siete). Cómo no, podría hablar de la sordera de Chieko, que viene a ser la sordera que nos separa a todos de los demás en este mundo lleno de tecnologías y avances. Y de tantas cosas...

¿Que no tiene nada? Cúlpala de alguna otra cosa, pero no precisamente de donde menos cojea.
]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2007/01/08/llamando-a-las-puertas-del-cielo 2007-01-08T16:17:05Z Francis Actuales

A modo de western moderno, Wim Wenders nos ofrece la historia de un decadente actor que no sabe qué hacer con su vida cuando llega el final. El pasado y el futuro se abrazarán de un modo imprevisto demostrando que incluso los errores pasados pueden convertirse en la redención futura.

T.o.: Don’t Come Knocking.
Director: Wim Wenders.
Guión: Sam Shepard y Wim Wenders.
Intérpretes: Sam Shepard, Jessica Lange, Sarah Polley, Tim Roth, Gabriel Mann, Fairuza Balk y Eva Marie Saint.
Música: T-Bone Burnett (canción original de Bono, The Edge y Andrea Corr).
Género: western moderno. EE UU. 2006.

Ganadora de 2 Premios Cine 100%: Cine de Plata, Actriz de reparto (Sarah Polley).
Finalista a 6 Premios Cine 100%: Director, Actor de reparto (Tim Roth), Reparto, Fotografía, Canción original, Cartel.


Tanto Sam Shepard (actor y co-guionista) como Wim Wenders (director y co-guionista) siempre han estado presentes o han sido artífices de películas más o menos independientes, como es el caso de Don’t Come Knocking –nefastamente traducida por Llamando a las puertas del Cielo–, un western moderno, algo decadente y bastante entrañable.

Howard Spence (Sam Shepard) es un viejo actor de westerns venido a menos que no encuentra su lugar en el mundo. Es la figura de los westerns clásicos, del hombre itinerante, del Ulises que llega desde Homero hasta John Ford, pasando por Joyce o por Quevedo. Ésta, más allá del desierto exterior, suele ser la característica del western. En esta película, Wenders rescata no sólo esa característica interna, sino también los extensos valles de Nevada, al más puro estilo Monument Valley.

Pero aparte del rescate del más puro western, en la película nos encontramos con un hombre desolado que ha olvidado a los demás a lo largo de su vida a favor de sus caprichos... y entonces quiere que los demás cubran sus vergüenzas. Claro que esto suena bastante duro, pero el personaje, tal como queda reflejado por Wenders, es algo más indefenso y tierno tras su careta de frialdad, aunque no menos patético.

Tal vez lo más encantador de esta película sean los papeles femeninos, ángeles en medio del infierno masculino. El más claro ejemplo, la ternura de la madre de Howard (una adorable Eva Marie Saint) frente a la dureza de piel de su propio hijo. Aunque no es sólo ella, sino la dulzura inocente de Sky (Sarah Polley), el aguante estoico de Doreen (Jessica Lange) e incluso la alocada aunque en el fondo inocente Amber (Fairuza Balk). Ante ellas, el patético Howard, el pasional y loco Earl (Gabriel Mann) y el frío y mecánico productor Sutter (un Tim Roth en uno de sus papeles favoritos). Las mujeres se mueven en un mundo de entrega, mientras los hombres sólo actúan movidos por sus impulsos y apetitos. El contraste llega a ser casi increíble: al fin y al cabo, son los hombres de la película los que causan los conflictos y las mujeres las que tienen que aguantarlos. Esto no sería posible sin un grandísimo trabajo del todo el reparto, con mención especial para Sarah Polley y Jessica Lange.

Estos son los personajes, pero lo mejor de todo –lo que hace la película– son las extravagantes relaciones que los unen. El pasado de Howard Spence, lleno de egoísmos, puede convertirse en su salvación cuando descubre que tiene un hijo que desconoce. ¿Qué podrá ser de su futuro? Sólo el descubrir y descubrirse ante este hijo le va a hacer soportar su ya cansada existencia. Pero va a ser a partir de ese momento cuando realmente comienza a vivir. Para este personaje egoísta y patético –valgan las redundancias, pues ya se ha dicho–, su redención son sus desconocidos hijos. Todos los protagonistas se encuentran, de un modo u otro, incompletos. Necesitan ese encuentro final para llenarse como un puzzle en su relación con los demás. A partir de ese momento, todo ha cambiado a mejor, porque han encontrado su sitio. Aunque no sea un happy end Disney, uno termina la película con la sonrisa en la cara.

Frente a los desiertos internos, se encuentran los desiertos externos de los que ya hemos hablado, tan bien fotografiados por el alemán Franz Lustig, que saca color a lo que parece no tenerlo. Claro que los impresionantes desiertos de Nevada favorecen los planos impactantes, pero hay que saber aprovecharlos, como el plano inicial de la cabalgada de Shepard.

A modo de conclusión, me gustaría decir que la película de Wenders es mucho menos deslavazada que esta crítica, gracias a Dios. No sólo eso, sino que estamos ante una de las películas del año. Con creces, sí señor.

Ficha en la IMDb: http://imdb.com/title/tt0377800
Trailers: http://www.quedetrailers.com/trailers1773.htm
]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2006/12/29/premio-especial-del-publico-2006 2006-12-29T14:57:48Z Francis Noticias y entrevistas Este año, en la II Edición de los Premios Cine 100%, tú puedes otorgar un premio votando por las cinco películas que más te han gustado de este año. Dentro las instrucciones.

Instrucciones para votar:

1. Se puede votar hasta por cinco películas. A la primera se le dan 5 puntos, a la segunda 4, a la tercera 3, a la cuarta 2 y a la quinta 1. Si quieres votar por menos de cinco, puedes hacerlo, pero entonces la primera no se lleva 5 puntos. Si sólo votas una, se lleva un punto; si votas dos, la primera se lleva dos puntos y la segunda uno. Y así respectivamente.

2. Las películas tienen que haber sido estrenadas en cines (o directamente en DVD) en el año 2006 en España. Podéis ver todos los estrenos en este enlace: http://www.elmulticine.com/peliculas_estrenadas_2006.php A éstas tenéis que añadir los estrenos de hoy (http://www.elmulticine.com/estrenos.php), últimos del año. De todas formas, para ahorraros trabajo, os pongo una lista con los títulos que considero, por una u otra razón, más puntuables:

Babel
Brokeback Mountain
Buenas noches y buena suerte
Crash
El Castillo Ambulante
El Gran Silencio
El Laberinto del Fauno
El Nuevo Mundo
En la cuerda floja
Infiltrados
La Joven del Agua
Llamando a las puertas del Cielo (Don’t Come Knocking)
Los tres entierros de Melquiades Estrada
Munich
Orgullo y prejuicio
Pequeña Miss Sunshine
Scoop
Superman Returns
Syriana
The Hidden Blade
Truman Capote
United 93
V de Vendetta
Volver

3. Enviad vuestras votaciones al correo del blog: cine100(arroba)gmail(punto)com, sustituyendo (arroba) por @ y (punto) por .

4. El plazo de votación comienza hoy mismo, 29 de diciembre de 2006, y termina el día 10 de enero de 2007.

¡Hagan juego, señores!]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2006/12/28/no-es-una-inocentada 2006-12-28T20:02:50Z Francis Noticias y entrevistas

Si el año pasado por estas fechas decía que el blog había terminado, era una pura inocentada. Si este año me planteo ciertas cuestiones, no es pura coincidencia, y mucho menos una inocentada. ¿Seguirá este blog adelante?

Buff. Sé que tengo el blog abandonado. Lo sé. Y mis pobres colaboradores parecen estar perdiendo las ganas por culpa de mi apatía crítica. Lo siento, chicos, sé que os lo pongo difícil.

No, no voy a abandonar el blog. Al menos no por ahora. He visto muchas películas en el lapso que ha transcurrido desde mi última anotación. Sin embargo, no he escrito sobre ellas. Don't Come Knocking, Walk the Line, Volver, Testigo de Cargo, Truman Capote, Tierras de penumbra, Cinema Paradiso, Memorias de una Geisha... En fin, algunas interesantes, otras olvidables y otras maravillosas. Si ahora tuviese que escribir sobre todas ellas estaría escribiendo hasta dentro de unos días. Y paso.

Entonces, ¿qué va a pasar con este blog? ¿Para qué seguir? Bueno, pues he hecho un "cuaderno de ruta" para los próximos días. Espero que aguante, la verdad es que no es demasiado ambicioso.

-El sábado quiero ver Babel y, si me da el venazo, también Infiltrados.

-Antes de eso, es decir, hoy mismo, voy a convocar a todo quisqui a las votaciones para los II Premios Cine 100%. Este año estrenamos el Premio Especial del Público.

-¿Después? Madre mía, no lo sé. Tal vez publique algún artículo, alguna crítica o algo, no sé. ¿Es hora de volver? No lo sé. Puede que sí, puede que no. A ver qué es lo que pasa.

PS. ¿No se habrán marchado ya todos los lectores para nunca volver?]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2006/12/10/el-juego-de-hollywood 2006-12-10T13:01:14Z Hermano de Francis Estrenos destacados

El pasado martes 22 de noviembre lamentábamos la noticia del fallecimiento, a los ochenta y un años de edad, de Robert Altman, uno de los más influentes directores americanos de las últimas décadas del siglo XX. Director iconoclasta donde los haya, quizá el análisis de la particular visión que Altman tenía sobre el mundo de Hollywood y que plasmó en esta brillante película, pueda servir a modo humilde testimonio y homenaje a un gran realizador que nos deja como testamento obras del calado de El Largo Adiós, Mash, Nashville o Vidas Cruzadas (Short Cuts).

T.o.: The Player.
Director: Robert Altman.
Guión: Michael Tolkin, basado en su propia novela.
Intérpretes: Tim Robbins, Greta Scacchi, Fred Ward, Whoopi Goldberg, Peter Gallagher, Vincent d’Onofrio, Sidney Pollack.
Música: Thomas Newman y otros.
Fotografía: Jean Lépine.
Género: Comedia/Drama/Thriller. EEUU. 1992.
Duración: 120 minutos.


Aunque Robert Altman sabía de la existencia de su cáncer desde hacía 18 meses, la terapia que escogió para combatirlo no fue otra que la realización de la que se convierte en su obra póstuma, A Prairie Home Companion, que es de esperar llegue próximamente a las pantallas españolas, y, por si fuera poco, inició recientemente la preproducción de un nuevo filme cuyo rodaje debía iniciarse en febrero de 2007. El epíteto de cineasta incansable, pues, debe otorgarse justamente a Mr. Altman, un caballero que, podemos decir en términos bukowskianos, peleó a la contra durante cinco décadas desde esa peculiar mirada radiográfica tras la cámara. Sus continuas trifulcas con los executives de Hollywood son legendarias (creo que fue Peter Biskind que dijo de él, en referencia a sus canales de colaboración con el establishment, que “quemó más puentes que la Luftwaffe”).

A este contexto arroja ingentes cantidades de luz esta acerada película que dirigió en 1992. Su título original es The Player, que podría traducirse como “el jugador”, pero también como “el actor”, y en ambos casos se trata de una buena descripción de la realidad que esconde el oficio del protagonista Griffin Mill (magníficamente incorporado por Tim Robbins). Griffin es productor ejecutivo en una de las majors de Hollywood, y su trabajo consiste en seleccionar los guiones cuya realización pueda interesar al estudio (doce al año de una terna de 50.000 libretos, según sus palabras). Esa elección se basa evidentemente en su potencial comercial, en el contexto de los clichés que el público pueda tolerar mejor, y de los accesos taquilleros del star-system (son los años de mayor éxito de las carreras de Bruce Willis y Julia Roberts, que efectúan sendos cameos en el filme interpretándose a sí mismos en una de las sátiras más inflamables que efectúa la película). A estas premisas de la rutina de la vida del ejecutivo, el filme adiciona una trama policiaca, relacionada con un asesinato diríase que accidental del cual Mill es responsable. Así que The Player nos propone, principalmente, un viaje en la ruleta rusa de la vida profesional y sentimental del ejecutivo, una introspección a su frialdad, a su capacidad de cálculo, a su despotismo, pero también a los momentos en los que bordea el fracaso o la desesperación. Y en este retrato, y en el modo en el que la cámara fisgonea en el entorno del personaje –ya desde el primer instante del filme, plano-secuencia, homenaje explícito al inicial de Touch of Evil-, The Player se convierte principalmente en un magnífico fresco de los cánones de conducta en el mundillo de la industria de Hollywood, su excentricidad, los subtextos de sus comidas y cocktails, sus galas de entregas de premios, las incendiarias conversaciones telefónicas, y, en fin, la mercantilización de absolutamente todo (personas y sentimientos) en aras al Dios de la taquilla. Un fresco subversivo y valiente, dosificado con tanta capacidad de sugerencia como mucho humor negro –a menudo tamizado por referencias cinéfilas diversas, como los pósters de viejas cintas de serie B, o las postales que el protagonista recibe del guionista iracundo-, y que a la postre se convierte en un cuento moral que, con prolijidad de líneas discursivas, termina por reunir un mismo todo.

Al que no conozca la obra de Altman, ésta es una magnífica puerta de entrada, muy reveladora de su atenta mirada y su inmensa capacidad, más mordaz que doliente, para el retrato de microcosmos. Pasen y vean: esto es Hollywood. Y sino, pregúntenselo a los diversos actores que se prestaron –por algo será- a interpretarse a sí mismos en el filme: Cher, James Coburn, John Cusack, Anjelica Huston, Andy McDowell, Burt Reynolds, Mimi Rogers, Susan Sarandon, Lily Tomlin, Patrick Swayze, Malcolm McDowell, Nick Nolte, Peter Falk, Dennis Franz, Louise Fletcher, Scott Glenn, Jeff Goldblum, Elliott Gould, Harry Belafonte, Gary Busey, Robert Carradine, Sally Kirkland y Jack Lemon, entre otros.]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2006/11/18/adios-a-basil 2006-11-18T15:19:16Z Francis Noticias y entrevistas

El pasado 8 de noviembre, nos dejó uno de los grandes compositores de música de cine: Basil Poledouris. Su música para Conan, Les Misérables o Adiós al Rey ha dejado una huella indeleble entre los aficionados. Descansa en Paz, Maestro.

Basil Poledouris -más conocido como Pole en el mundillo- nació allá por 1945 en Kansas City. Su primera composición para el cine data de 1966, aunque no sería hasta 1980 cuando se dio a conocer con The Blue Lagoon (El lago azul), una composición romántica e intimista. Dos años después compuso la que es para muchos -entre los que se cuenta servidor- su mejor obra: Conan the Barbarian. Desde entonces se convirtió en un referente de la música épica, que reafirmó con la excelente música para Flesh and Blood (Los señores del acero, 1985), Robocop (1987), Farewell to the King (Adiós al Rey, 1989), The Hunt for the Red October (A la caza del Octubre Rojo, 1990) o Starship Troopers (1997). Se encuentra entre el grupo de compositores que restauró el sinfonismo para el cine.

En los últimos años, no recibió muchas llamadas para componer (tal vez sea Les Misérables la más destacada, en 1998) pero los aficionados no dejaron de reclamarle para obras que fueron a parar a manos de compositores cuya calidad es más que dudosa. De un tiempo a esta parte arrastró un cáncer que le complicó la vida. Aun así, los que le conocían aseguran que su simpatía y su gran corazón estaba muy por encima de lo excelente de su música.

Este verano estuvo en Úbeda (Jaén) en el II Congreso Internacional de Música de Cine, junto a John Debney, donde dirigió un concierto con extractos de Conan. El concierto resultó todo un éxito.

Siempre nos quedará su música, y por eso dejo en Radio Cine algunos temas suyos:

-"Love theme (Emmeline)" de The Blue Lagoon.
-"Main Title" de Farewell to the King.
-"Hymn to Red October" de The Hunt for Red October.
-"Flight from Vigau" de Les Misérables.

Dejo también un pequeño vídeo que grabó un aficionado con el bis de "Anvil of Crom" y los aplausos que mereció. Lo del pañuelo negro en la cabeza no es excentricidad, sino problemas de su cáncer.

Adiós, Pole, descansa en Paz.

http://youtube.com/watch?v=NaBBQsRvwkU



]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2006/11/17/infiltrados 2006-11-17T16:22:34Z Multisanti Actuales

The Departed es el título original de esta alucinante película. Con ella, Scorsese vuelve a demostrar su inmenso talento. Revisita la mafia… y otras muchas cosas. Scorsese nos espera en las pantallas de los cines. No hace falta que diga que ha venido, como casi siempre, para quedarse.

T.o.: The Departed.
Director: Martin Scorsese.
Guión: William Monahan, basado en una historia de Felix Chong y Siu Fai Mak.
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Alec Baldwin, Mark Whalberg, Martin Sheen, Vera Farmiga.
Música: Howard Shore.
Género: Drama. EEUU. 2006.


Tras deleitar a los más exigentes paladares del cine documental con aquella introspección, de un sobrio afán historicista no reñido con la emoción, sobre los primeros años de la carrera de Bob Dylan –No Direction Home, 2005-, Scorsese vuelve a la carga con una película cuya atractiva trama plantea el juego cruzado entre un topo que la policía de Boston logra filtrar en la organización criminal local y otro infiltrado que el capo de aquella organización gangsteril introduce en el susodicho cuerpo de policía. A título preliminar interesa decir que el filme es un remake de un thriller dirigido por los hongkoneses Alan Mak y Way Keung Lau (Infernal Affaires, 2002 –estrenada por estos pagos en DVD con el manoseado título Juego Sucio). En efecto, la premisa argumental del filme que nos ocupa es idéntica al de aquella estilizada (y muy recomendable) película de Hong-Kong, y no son pocas las secuencias climáticas que derivan –con variaciones/trasposiciones más o menos importantes- del propio texto visual de aquella obra protagonizada por Andy Chan y Tony Leung. Sin embargo, y como no podía ser de otra forma conociendo la idiosincrasia del realizador de Raging Bull, las diferencias son más que notables. El filme hongkonés es, como he dicho, un thriller en toda regla, magníficamente escenificado y despachado en ochenta y pico adrenalíticos minutos. The Departed es otra cosa. Es, pues eso, una película de Martin Scorsese.

Y cuando me refiero a “una película de Martin Scorsese”, ¿a qué me refiero? Efectuemos un análisis inductivo, atendamos a las imágenes, a la esencia que en el cine del neoyorquino siempre se halla enfatizado en pequeños detalles. Por ejemplo: durante el metraje hay una pequeña pero creo que decisiva mención al título original del propio filme, The Departed (que se podría traducir por “los caídos”, o más bien “los difuntos”). Aparece en los primeros compases del filme, y corresponde a la tarjeta de condolencia que el gángster Frank Costello deposita sobre la tumba de la madre de Billy Costigan (Leo DiCaprio), una estampa religiosa donde se puede leer una plegaria al Altísimo por la gloria eterna de los Difuntos. No es éste un dato baladí, si atendemos, por un lado, a la idiosincrasia de Costello, y por otro, a los esquinados periplos vitales por los que transitan los protagonistas de esta obra (en especial, Billy Costigan, pero sin excluir al otro infiltrado, o incluso al agente federal Queenan que incorpora Martin Sheen y al propio mefítico mafioso que viste las pieles –de oso esquizofrénico- de Jack Nicholson), sus motivaciones y, sobretodo, su tan poco contestable o matizable desenlace. Al respecto de lo mencionado, limitémonos a escuchar una de las primeras frases de la película, pronunciada en off por el propio Costello: “nunca he dejado que el entorno condicionara mis actos, prefiero ser yo quien condicione ese entorno”. Otro detalle: en una de las primeras secuencias de la película –introducida con un típico movimiento de cámara scorsesiano, plano subjetivo de Costello entrando en un establecimiento de comestibles mientras escuchamos el punteo musical del Gimme Shelter de los Stones-, el gángster regala al niño Colin Sullivan (interpretado por Matt Damon en su edad adulta) una bolsa de comida, en la que se incluyen, entre otras cosas, sendos tetra-bricks de leche; con esa evidencia nos explica el filme los mecanismos de actuación del mafioso irlandés, el subrepticio modo de llamar a sus filas a los jóvenes del barrio. Saltémonos dieciocho años, y todo el metraje, para acudir al plano final: no lo destriparé, pero sí que diré que Sullivan (Matt Damon) lleva en las manos, en su última aparición en imágenes, una misma bolsa de comida, en la que se encuentran dos tetra-bricks de leche idénticos a los que se nos han mostrado al principio. Esa idea de circularidad –que cobra un sentido viciado, claramente pernicioso al tenor de los acontecimientos que se ciernen sobre los protagonistas- tiene mucho que ver con la estampilla donde se propone una plegaria por “los Difuntos”. Detalle con detalle: en ese último plano del filme se harán evidentes otros dos iconos concluyentes en la película: por un lado, la opulenta cúpula de un edificio público a la que da vistas el piso de alto standing en el que reside Sullivan, cúpula dorada por la que el falso policía siente una marcada obsesión, quizá por su representación de unos ideales de prosperidad (o más bien de poder) sobre los que ha trazado su sino vital; por otro lado, la rata que se pasea sobre la barandilla, ese sucio animal cuyos trazos Costello garabatea en un papel antes de incendiarlo, animal al que incluso imita con una de esas muecas histriónicas a las que Nicholson nos tiene acostumbrados; la rata como símbolo de la vida en las cloacas, del que se mueve en las sombras (el que miente, el infiltrado), y, claro, la alimaña que debe ser eliminada en pos de intereses…higiénicos.

Digamos, pues, a la luz de lo expuesto, que no falta cinismo al discurso de Scorsese, y que en no pocos sentidos The Departed se erige, mucho más allá del retrato histórico-sociológico, en una terrible representación de los mecanismos por los que transita el poder, los escalones torcidos de su propia jerarquía, pero especialmente los sentimientos y pulsiones más íntimas que manipula en pos de sus inexpugnables intereses. En los términos que el filme propone, el concepto de thriller se disuelve del mismo modo que el sentido de los antagonismos: no hay en el filme héroes ni villanos, sólo personajes más o menos honestos o podridos, todos ellos sojuzgados por la inercia de un despiadado sistema de vida y valores.

Por otra parte, es evidente que Scorsese regresa con este filme al cine de gángsters, subgénero al que tantos espectadores asociamos no pocos de sus impagables tour de force visuales. No es extraño, pues, hallar relación entre la presente obra y las ya clásicas Good Fellas y Casino, tanto por su temática (epidérmica) como por el parangón en el tratamiento visual de la violencia en determinados compases de las películas citadas, así como otros recursos narrativos que beben mucho de la pericia inmensa de la montadora Thelma Schoonmaker. En mi caso, encuentro muchas diferencias entre las tres películas; ya las hallé en su día entre Good Fellas y Casino, pero creo que en esta tercera (aunque debería decir cuarta, porque Good Fellas no dejaba de ser una germinación de la que quizá fue su primera obra maestra, Mean Streets) son aún más acusadas. En primer lugar, el escenario varía en cada caso (NY, Las Vegas, Boston), y con ello la propia enjundia e idiosincrasia de las organizaciones criminales en liza. En lo que concierne a la narración estricta, en The Departed se repite (felizmente) el cierto afán descriptivo por el pequeño universo que se retrata –una comunidad irlandesa, católica, de Boston-, pero, allende de que aquí nos introduzcamos en el cuerpo de policía con idéntico afán expositivo que el que concierne al mundo del hampa, creo que esas descripciones –especialmente acusadas en la larga presentación, antes de la aparición del título del filme- obedecen a razones más subjetivas –de un afán más psicologista que behaviourista- que las que afanaban esos maravillosos planos-secuencia y esas imágenes congeladas en las otras dos películas citadas. Ítem aparte, a pesar del gusto por el exceso y la fragmentación deliberada con la que Scorsese empapa de sucio hiperrealismo algunos pasajes del filme, los movimientos de cámara son a la postre en The Departed más contenidos, e incluso nos hallamos con secuencias fundamentales narradas mediante el recurso al más sobrio plano fijo (e incluso, sin fondo musical: diversos momentos de soledad de Sullivan, y, cómo no, el tiroteo cruzado en el ascensor).

En cualquier caso, comparaciones o meditaciones temáticas aparte, quizá conviene resaltar que The Departed es, eminentemente, un auténtico festín para cualquier aficionado al lenguaje cinematográfico, una película en la que Scorsese alcanza un acrobático, virtuosísimo equilibrio entre el fondo y la forma. Sus citadas improntas de estilo bullen y se funden en todo caso en un tratamiento denso, sincero y doliente de los personajes. A pesar de la exuberancia estilística, no hay efectismo en el cine de Scorsese en general y en esta obra en particular. Y ése es el meollo de la cuestión, ésa es la razón que le convierte en uno de los más grandes cineastas que las últimas décadas nos ha dejado el cine. Aunque diseccionar la película sería tarea harto extensa –por no hablar de que me resulta imposible abrazar toda la sabiduría que el filme pone en imágenes (y sonido)- me gustaría detenerme en un pequeño fragmento del filme, que deja a las claras el inmenso talento, la genialidad absoluta de Scorsese en el despacho cinematográfico de las historias que narra: me refiero al montaje paralelo previo a la rotulación del título del filme, donde se narra de forma cruzada las sendas opuestas que van a concernir al chico listo convertido en policía de expediente inmaculado, Collin Sullivan (Damon), y al self-made man que lucha por su integridad y se descubre fatalmente marcado por el fuego de su estirpe relacionada con el submundo, Billy Costigan (DiCaprio). Canalizando esa relación mediante el encuentro –consecutivo- de ambos personajes con el inspector-jefe Queenan, la película va deshojando, con rápidos y ágiles trazos, el statu quo de uno y otro personajes, y esa métrica que les relaciona funciona a la perfección, la información que nos va suministrando está magníficamente equilibrada en los dos lados del espejo, aunque para hacerlo haga falta renunciar a la continuidad temporal: en el caso de Sullivan, personaje de una pieza, los pequeños sketches miran hacia delante, hacia el progreso profesional del mafioso infiltrado: la fácil reunión con Queenan, la envidia que despierta en sus compañeros de promoción, la fijación con la cúpula dorada, la adquisición del piso; por contra, en el caso de Costigan, que es eminentemente un personaje atormentado por sus raices, es obligatorio balancear la actualidad con pequeños pero reveladores flash-backs: mientras el ayudante de Queenan convierte la reunión en un auténtico infierno –le somete a un tercer grado-, le vemos acompañar a su madre en su lecho de muerte y asistir solo a su funeral, así como enfrentarse con su despótico tío, y, ya por fin, cumplir los designios del cuerpo policial para iniciar su tortuoso camino nada menos que en la cárcel.

Y no podemos terminar la reseña de una película como ésta sin hacer mención al apartado actoral, una auténtica sinfonía interpretativa a la que Scorsese obliga a rugir. De Jack Nicholson, que está soberbio, decir que es uno de los pocos casos en los que el papel le obliga a rizar el rizo de su histrionismo natural (normalmente, sucede al revés). DiCaprio carga a la perfección con el peso de su personaje, recordándonos que, a salvo ciertas tonterías de su periodo titaniquero, es uno de los actores más solventes del panorama actual, capaz de salvar la sobreactuación en las situaciones más impensables. Por su parte, los secundarios Martin Sheen, Alec Baldwin y Ray Winstone –incluso Mark Whalberg, ¿quién lo iba a decir?- aportan un valioso grano de arena con sus interpretaciones secundarias. Y el caso más interesante, para mí, es el de Matt Damon: acostumbrados como estamos a que siempre haga de Will Hunting –en aquella película, así como en la saga-Bourne, en The Rainmaker, en Saving Private Ryan, en Rounders, en The Legend of Bagger Vance, en …-, es harto gratificante comprobar cómo el actor en esta ocasión se infiltra interpretativamente en esa imagen de niño bueno para rendir las mejores cuentas de un personaje abrazado al abismo.

Y una última mención. En esta película de hombres en que indudablemente se erige The Departed, resulta muy interesante atender al tratamiento y sentido del único personaje femenino (que, por cierto, introduce una mejora argumental evidente con respecto al filme hongkonés). La psiquiatra Madolyn (bien interpretada por Vera Farmiga) actúa como engarce emocional entre los dos protagonistas, como catalizadora de la neta oposición existente entre ambos, plausible en la imposible ecuación de sus preferencias sentimentales, en las que optará erróneamente por la senda fácil hasta que sea demasiado tarde, hasta que descubra al fin la calaña del hombre que (supuestamente) ha concebido al niño que lleva en sus entrañas. Le abandonará definitivamente a la salida del cementerio en un plano-homenaje (calcado al cierre) del clásico de Carol Reed The Third Man.]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2006/10/24/el-imperio-del-sol 2006-10-24T15:32:08Z Multisanti De hace unos años

Diríase que un realizador del talante, talento y celebridad de Steven Spielberg no necesita reivindicación. Sin embargo, yo no me canso de repetir –a la contra, entre la cinefilia más petulante- que el director de la reciente Munich es uno de los más portentosos narradores de las últimas décadas. Me apetece acercarme a una de sus obras menos conocidas, que fue en su día ninguneada por la crítica, y cuyo visionado me reserva tan intensas emociones ahora como en el momento de su estreno.

T.o.: Empire of the Sun.
Director: Steven Spielberg.
Guión: Tom Stoppard y Menno Meyjes, basado en la novela homónima de J. G. Ballard.
Intérpretes: Christian Bale, John Malkovich, Miranda Richardson, Joe Pantoliano, Nigel Havers.
Música: John Williams.
Género: Drama. EEUU. 1987.


Spielberg no ha cambiado tanto el modo de hacer películas. Si mirando Jaws (1975) o Raiders of the Lost Ark (1981) podemos afirmar que ya entonces era un genio, recalando en una de sus primeras películas vanalmente despachadas por la crítica como "de aspiración seria" (sic), como es ésta Empire of the Sun (1987) debemos convenir –mal que pese a los cuatro críticos de siempre- que en aquella película ya demostró una maestría de difícil parangón en la cinematografía estadounidense.

En Empire of the Sun la cámara está exactamente donde tiene que estar, y cada plano tiene un sentido. En la traspolación a imágenes de la cruda, lírica y emocionante novela autobiográfica de J. G. Ballard, Tom Stoppard (guionista) efectúa una elaborada tarea de síntesis que no traiciona los iconos narrativos de su sustrato, especialmente en lo concerniente al carácter de Jim (su pasión feérica por los aviones contrapuesta a su visión mundana de lo religioso, la categorización de las personas según su nacionalidad, sin exclusión de un extraño fervor hacia los japoneses...). Spielberg parte de ese atinado libreto, pero también "adapta" con la cámara, su narración se imbuye de los signos que identifican la soberbia novela de Ballard. La puesta en escena es el fuerte del realizador, y el filme es un buen ejemplo de ello: su coda radica en la primacía por el sentido dramático (por el retrato del niño desde su propia subjetividad) por encima del presunto afán de realismo (realismo que no se traiciona, pues termina subyaciendo de los hechos consumados a los que el espectador se enfrenta).

Esa premisa, tan elemental, se viene obviando –supongo que deliberadamente- por los detractores del realizador de Duel para negarle la consideración que merece: la de uno de los mejores realizadores de su generación (entendiéndose en su generación los nombres de Coppola, Scorsese, Lucas, Schrader, Malick... Esto es, la última gran generación de cineastas). De entre un interminable número de secuencias inolvidables de esta película, hay dos de ellas que resumen a la perfección el discurso que Spielberg imprime en su traslación a imágenes del libro homónimo de Ballard. En una de ellas, Jim acaba de llegar al campo de concentración, Soo Chow, y el destino ha querido que dicha prisión esté enclavada junto a un aeródromo: la pasión que el niño siente por los aviones subvierte la lógica de aquel acontecimiento, y, bien lejos de la aflicción que la situación debería suscitar, Spielberg firma, sin tapujos, la imagen de un sueño hecho realidad: bajo la envoltura del movimiento musical más emocionante que Williams compuso para la película, el niño avanza, extático, por entre la zona de reparación de los aeroplanos, bajo una cascada mágica de chispas, hasta alcanzar uno de los aviones, caza japonés, contra el que apoya su cabeza y abraza con sus manos, hasta el mismo momento en el que el vigilante del campo le llama la atención y le amenaza con un rifle, y al mismo tiempo aparecen tres pilotos preparados para salir; Jim ni se entera de que su vida corre peligro, y dedica un saludo marcial a los pilotos, que éstos le corresponden. En otra secuencia, ya de los últimos compases del filme, Jim intenta resucitar la vida de un joven japonés con el que el niño compartía su afición por los aviones: Jim dice que ha descubierto una palabra nueva, "bomba atómica", y que era "como si Dios hiciera una fotografía", mientras la cámara de Spielberg nos muestra las manos del niño que se posan en el cuerpo inerte y empiezan a efectuar un masaje cardíaco, en cuyo movimiento sincopado vemos ora el rostro de Jim ora un rayo de luz –quien conozca la novela, sabe de la importancia de ese rayo de luz: el imperio del sol no es otro que el de la destrucción personificada en "ese segundo sol" que para sus víctimas fue la bomba atómica-; Jim bombea incesante, convencido de que "puedo devolverles la vida a todos", hasta que vemos en un instante que Jim está bombeando en balde al niño que fue, y después aparece sangre por las comisuras de los labios del niño muerto, y Basie le separa de él. Son dos momentos de una intensidad mayúscula, que nos cuentan los derroteros por los que transita el corazón del niño, tan ávido de aprendizaje, en su periplo por esos tiempos de horror y miseria.

En el libreto escrito por Tom Stoppard, y en las imágenes del filme, queda claro que en Empire of the Sun no se pretende demonizar a nadie, antes bien narrar cómo la acre huella de la guerra se imprime en los que más la sufren, los civiles, y todo ello pasado por el tamiz de los ojos de un niño. Así, el filme no toma partido por ninguno de los bandos de la contienda, y si alguien sale malparado de su narración es el arribista Basie (Malkovich), un trasunto del personaje de William Holden en aquella inclasificable opereta bélica de Billy Wilder, Stalag 17, que preside de hecho el pabellón americano en el campo, y cuya aparente humanidad se ve maculada por un carácter frío y calculador, y por una falta de escrúpulos evidente para el espectador pero que Jim, que lo admira y lo quiere como a un padre, sólo descubrirá en el último bastión del filme (Basie se despedirá dándole una chocolatina, un regalo que carece de sentido toda vez que caen neveras plagadas de comida del cielo: Basie sólo da algo cuando le sobra).

Como he dicho, son los ojos del niño los que entregan las imágenes, por lo que cualquier efectismo –y hay diversos en el filme, que por otro lado, no empecen la sobriedad de su tono- obedece a ese punto de vista ingenuo, intuitivo y voraz, la mirada del niño Jim Graham, que ama tanto los aviones del ejército americano –el B-51, el Cadillac del Cielo- como los Zero japoneses, que hace del campo de Soo Chow su hogar (lo que se plasma a la perfección en la secuencia final, en la que el niño, solo, transita por entre los barracones con la bicicleta, como antaño hiciera entre los pasillos de su casa en Shangai), y que aprende que la supervivencia radica en el abandono de los seres y las cosas queridas.

En la secuencia epílogo, se produce el reencuentro, y Spielberg, tan a menudo acusado de abusar de la melaza, lo filma con una sobriedad y una belleza impagable: Jim no sonríe, no habla, y sólo reconoce a su madre cuando palpa el carmín de sus labios o la tersura de su pelo. Todo lo que recuerda de ella, y por lo que la acepta –nada más que eso-, abrazándola sin ninguna efusividad, sin las lágrimas de las que ya no dispone, y cerrando los ojos y la película. Escuchando otra vez el cántico del Suo Gan, las imágenes remitirán al principio, a las aguas del Yang Tsé, donde en esta ocasión no encontraremos un féretro con los restos de una víctima anónima: en su lugar, la maleta de Jim, los restos de una infancia aniquilada por la oscuridad de este mundo.
]]> http://cine100.bitacoras.com/archivos/2006/10/14/el-castillo-ambulante 2006-10-14T16:12:04Z Francis Actuales

Con una explosión de colorido y fantasía, Hayao Miyazaki nos deslumbra contándonos una historia de personajes entrañables y sencillos; una historia de viajes interiores y mágicos.

T.o.: Hauru no ugoku shiro
Director y guionista: Hayao Miyazaki (basado en la novela homónima de Diana Wynne Jones).
Intérpretes (voces): Chieko Baisho, Takuya Kimura, Akihiro Miwa, Ryunosuke Kamiki.
Música: Joe Hisaishi.
Género: Fantasía/Animación. Japón. 2004.

Finalista a 4 Premios Cine 100%: Guión adaptado, Banda sonora original, Tema musical original, Canción original.

Imaginación, mucha imaginación

Si por algo destaca El Castillo Ambulante, no cabe duda de que es por la cantidad de imaginación que desborda. Eso sí, todo de una forma armoniosa: fantasía acompañada de una explosión visual deslumbrante y un colorido sinfónico apoteósicamente mágico, obra del compositor habitual de Miyazaki, Joe Hisaishi.

Todo comienza en un lugar sencillo, donde hablar de magos y brujas es tan común como hacerlo de sombreros y amor. Eso sí, nada de dragones y secuelas tolkienianas, sino algo muy diferente. Digamos que la película tiene su sello made in Miyazaki, que es decir también en Japón. Y esto no es ninguna tontería, pues en muchos aspectos —y aunque Miyazaki haya asumido muchas de las prerrogativas cinematográficas occidentales— la cultura oriental es completamente diferente a la nuestra. De tal forma que un espectador occidental podría hacerse preguntas sin respuesta al ver cómo van sucediendo los hechos en la película. Pero todo tiene su tiempo y su ritmo.

La historia parte del encantamiento que convierte a una joven —Sophie— en anciana. Partirá de casa en busca de algún remedio —o tal vez sólo por huir— y en su escapatoria se encontrará metida en la casa del gran mago Howl (Hauru en la versión japonesa, Howl en la inglesa... y "howl" significa "lamento"). Sophie cree ver en esto la oportunidad de acabar con el encantamiento que la apresa, pero parece que no es tanto Sophie la que recibirá de Howl, sino Howl quien agradecerá haber conocido a Sophie.

No deja de ser muy curiosa la alternancia que a partir de un momento dado de la película sufre Sophie entre la juventud y la vejez. Parece como si a lo largo de la película recorriese un camino intermitente, en el que su entrega le rejuveneciese. Sin embargo, es Howl el que experimenta en su interior una decadencia y necesitará ser —al final no sólo simbólicamente, sino tangiblemente— librado del encantamiento que pesa sobre él. Y sólo Sophie puede hacerlo.

Pero es el colorido desplegado, el juego visual entre lo onírico y lo salvaje (desde el jardín florido hasta las oscuras imágenes de guerra), el que nos deslumbra. Fantasía, imaginación, magia... podría ser una historia creada para niños —en mi videoclub se encuentra junto a La Sirenita—, pero un niño no podría entender la magia que se desarrolla delante de los ojos, no podría entender por qué Howl, y no Sophie, necesita un(a) salvador(a). Y seguramente un niño sólo intuyese, sin comprender del todo, lo entrañable de los personajes: hasta la bruja del páramo se nos hace simpática en su vejez.

Y, como ya dije arriba, ahí está Joe Hisaishi para acompañar prodigiosamente las imágenes. Puede que ésta sea la mejor banda sonora del año, aun por delante de la clasicista composición de Dario Marianelli para Orgullo y prejuicio. La música se adapta sin fisura como un guante a las imágenes: Hisaishi despliega un sinfonismo arrebatador, creando un vals delicioso como tema principal. Y así, nos lleva en un tán-tan-tan de la mano hasta el final, donde un emotivo tema y una preciosa canción ponen la guinda al pastel de Miyazaki. Un pastel de múltiples sabores. Eso sí, todos de una dulzura suavísima.]]>